Arte y Cultura archivos - Conexión Rock

Flamenco Tour 2026

admin — Wed, 11 Mar 2026 18:00:06 +0000

MARÍA JUNCAL PRESENTA:

Flamenco Tour 2026 – Una mirada,

EN EL TEATRO DE LA CIUDAD ESPERANZA IRIS

Artista invitada: Susana Zabaleta
Sábado 21 de marzo, 19:00 h

La bailarina y coreógrafa española María Juncal, reconocida como una de las figuras más destacadas del flamenco del siglo XXI, regresará a México para presentar su espectáculo “Flamenco Tour 2026 – Una mirada”, el sábado 21 de marzo a las 19:00 horas en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

Tras una intensa gira por Centro y Sudamérica, Juncal vuelve a la capital mexicana —ciudad que ha acompañado de cerca su desarrollo artístico— para ofrecer una función especial en la que participará como invitada la cantante y actriz Susana Zabaleta, cuya presencia aporta una dimensión singular a la propuesta escénica.

“Hacia adentro miro y veo; hacia adelante miro y sueño; al pasado miro y recuerdo; al cielo miro y rezo…”, comparte la bailarina nacida en Las Palmas de Gran Canaria, España, al referirse a Una mirada, un espectáculo construido desde la introspección y la memoria.

“Así sucede en el escenario, como en la vida misma: una vida que es guitarra flamenca, que es la voz del cante y la expresión del baile. Con el arrebato de la intención y el sentimiento desbordado, comparto este tiempo y este espacio: me muevo, me deslizo, bailo…”, añade la artista, heredera de la tradición de una de las familias fundamentales en la historia del flamenco: Los Borrull.

Con producción de Orly Beigel, Oscar Carnicero y Silvia Baro, Flamenco Tour 2026 – Una mirada articula tradición y vanguardia para concebir el flamenco como un reflejo del ser humano y de su permanente búsqueda vital. La puesta en escena propone el encuentro entre dos artistas y dos sensibilidades, donde la intención y el corazón dialogan a través del movimiento, la música y la voz.

El hilo conductor es la ilusión de lo que está por acontecer. “Aquello que se descubre en la mirada del otro y que inspira la vida. Una experiencia aún por vivir juntos…”, señala Juncal.

La coreografía y los bailes nacen de la inspiración de la propia bailarina, acompañada en escena por Kin Sánchez en la guitarra; Mali Clavera y Mario Díaz en el cante; y Héctor Aguilar en la percusión. El vestuario está a cargo de Alejandro Ponce y María Juncal; la fotografía es de Nico Kremenchusky y el diseño gráfico de Mel Ortega.

Se trata de músicos de excelencia y de la colaboración especial de Susana Zabaleta. Con ellos, la escena se colma de pasión, encuentros y emociones que laten al ritmo del corazón. “Cuatro músicos en directo y la invaluable participación de Susana Zabaleta, una creadora siempre sorprendente, generosa con el arte y con las personas. Su voz y su mirada abren la posibilidad de imaginar y habitar otros mundos”, afirma la bailarina.

María Juncal inició su formación en danza española junto a su tía abuela Trini Borrull, para posteriormente especializarse en el reconocido Centro de Arte Flamenco Amor de Dios, en Madrid. Entre sus maestros destacan Ciro, Merche Esmeralda, Guito, Manolete, La Tati y Cristóbal Reyes.

A lo largo de su trayectoria ha recibido numerosos reconocimientos, entre ellos el Premio Nacional de Danza “Antonio Gades” en Córdoba; el Trofeo Desplante del Festival Internacional del Cante de las Minas; el Primer Premio de Coreografía del Teatro Albéniz; el Premio Excelencias del Arte; la Mención de Honor del Gran Teatro de La Habana, y el Best of the Best por su espectáculo El encierro de Anne Frank, además de una nominación a los Premios MAX como mejor intérprete de danza.

Entre sus creaciones escénicas se encuentran Destemplao, Quimera, Flamenco al Natural, Tercera Llamada, El encierro de Anne Frank, Fantasía Flamenca y Emotions. Asimismo, es embajadora del reconocido festival Ibérica Contemporánea.

La artista también ha mantenido presencia constante en festivales internacionales y ha desarrollado proyectos relevantes como JUNCAL, Tablao Flamenco, en la Ciudad de México. De manera paralela, imparte cursos y talleres en academias y compañías de danza alrededor del mundo.

El encuentro entre el baile flamenco de María Juncal y la voz de Susana Zabaleta en el escenario del Teatro de la Ciudad Esperanza Iris promete una función irrepetible, donde dos miradas se cruzan para ofrecer al público una experiencia escénica de gran intensidad emocional.

María Juncal presenta: Flamenco Tour 2026 – Una mirada.
Artista invitada: Susana Zabaleta.
Sábado 21 de marzo, 19:00 h.
Teatro de la Ciudad Esperanza Iris (Donceles 36, Centro Histórico).

Admisión:
Luneta $1,200 | Primer Piso Central $1,200 | Primer Piso $1,000 | Anfiteatro $800 | Galería $500.

Boletos disponibles en la taquilla del teatro y a través de las plataformas digitales de Ticketmaster.

Para conocer la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Ciudad de México visite sus redes sociales:
Facebook: @TeatrosCdMexico
X: @TeatrosCdMexico
Instagram: @teatroscdmexico

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Estimado Señor Rilke…

admin — Tue, 24 Feb 2026 20:08:27 +0000

**LA PUESTA EN ESCENA Estimado señor Rilke, DE Nora Manneck, OFRECERÁ DOS FUNCIONES EN EL Teatro Sergio Magaña**

Puesta en escena basada en el libro Cartas a un joven poeta, se presentará únicamente en dos funciones: viernes 28 de febrero y sábado 1 de marzo.

¿Le apostamos a la guerra o a la poesía?

La obra de teatro Estimado señor Rilke rescata y revive la relación epistolar que sostuvo el escritor austriaco Rainer Maria Rilke con un joven inscrito en una academia militar, Franz Xaver Kappus. En estas cartas, Rilke desarrolla profundas reflexiones sobre el arte, la vida, el amor, la soledad y el sentido de la existencia. Años después, ese intercambio daría origen al entrañable libro Cartas a un joven poeta.

Escrita y dirigida por Nora Manneck a partir de esta correspondencia, la puesta en escena ofrecerá dos funciones especiales: el viernes 28 de febrero a las 19:00 horas y el sábado 1 de marzo a las 18:00 horas, en el Teatro Sergio Magaña (Sor Juana Inés de la Cruz 114, colonia Santa María la Ribera, Metro San Cosme), como parte de la programación mensual de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

A finales de 1902, un joven estudiante de la Academia Militar de Wiener Neustadt envió una carta al reconocido poeta Rilke y, sin demasiadas expectativas, recibió respuesta días después. Así comenzó un intercambio en el que el cadete planteaba dudas esenciales sobre su vocación y su vida, preguntándose —entre otras cosas— si debía seguir la carrera militar o apostar por la poesía.

Las reflexiones de Rilke, quien también había estudiado en la misma academia, se publicaron por primera vez en Alemania en 1929, de manera póstuma, bajo el título Cartas a un joven poeta. El libro consolidó al autor como una de las voces fundamentales de la lengua alemana y de la literatura universal. Se trata de diez cartas escritas entre 1903 y 1908, consideradas por muchos lectores como un verdadero “manual para la vida”.

Durante décadas, las preguntas del taciturno Franz Xaver Kappus —sobre la creación artística, la muerte, la belleza, la soledad, los sueños, los anhelos y las inseguridades humanas— permanecieron en el anonimato. Fue hasta años recientes que sus cartas salieron a la luz.

En 2019, Nora Manneck recibió las cartas de Kappus, las tradujo al español y, junto con los actores Adrián Alarcón y Bernardo Benítez, las transformó en un espectáculo unipersonal dialogado.

La puesta en escena entrelaza así las ideas de Rilke con la intimidad de un joven dividido entre su vocación poética y la disciplina militar. Aquel adolescente que se atrevió a compartir sus versos con el célebre escritor se convertiría después en periodista, editor y autor.

Tras una exitosa presentación en el Teatro Olimpo de Mérida, Yucatán, dentro del VIII Festival Internacional de Monólogos-Casa Tanicho, Estimado señor Rilke regresa a la Ciudad de México para ofrecer únicamente estas dos funciones en el Teatro Sergio Magaña.

Admisión: Entrada general $224.
Boletos disponibles en la taquilla del teatro y en Ticketmaster.

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El STUNAM lanza convocatoria artística

admin — Thu, 19 Feb 2026 18:43:26 +0000

El STUNAM lanza convocatoria artística para fortalecer la identidad y expresión cultural de sus agremiados

El Sindicato de Trabajadores de la Universidad Nacional Autónoma de México (STUNAM), anuncia con entusiasmo la apertura de su nueva convocatoria Artística dirigida a todas y todos sus agremiados, con el propósito de promover la creatividad, el talento y la participación cultural dentro de la comunidad sindical.

Esta iniciativa representa un espacio de expresión libre y plural, en el que las y los trabajadores podrán compartir sus propuestas en disciplinas como artes visuales, fotografía, arte digital y escultura. La convocatoria busca no solo visibilizar el talento existente dentro del sindicato, sino también fortalecer los lazos de identidad, pertenencia y solidaridad que distinguen a dicha organización.

El impulso a la cultura es un eje fundamental en la vida sindical. A través de actividades como esta, el sindicato reafirma su compromiso con el desarrollo integral de sus agremiados, reconociendo que el arte y la cultura son herramientas esenciales para el bienestar, la reflexión crítica y la construcción de comunidad.

Esta convocatoria artística también abre un espacio para que las y los participantes compartan sus experiencias, perspectivas y creatividad, enriqueciendo el diálogo colectivo y fortaleciendo el tejido social que da vida al sindicato. El arte, como expresión de la diversidad y la sensibilidad humana, contribuye a consolidar una comunidad más participativa, incluyente y consciente de su riqueza cultural.

Se invita a todas y todos los agremiados a formar parte de esta importante actividad cultural y a sumarse a la construcción de un espacio donde la creatividad sea protagonista.

Con esta convocatoria, el sindicato reafirma que la cultura también es una forma de organización, de encuentro y de transformación colectiva.

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EN CINES A PARTIR DE HOY, EN MÉXICO & LATINOAMÉRICA 5 FEBRERO 2026

admin — Thu, 05 Feb 2026 18:34:09 +0000

5 de febrero de 2025 .- MUBI, la distribuidora global de películas, plataforma de streaming y productora, se entusiasma al anunciar el estreno en cines de Arco, la nueva película animada de Ugo Bienvenu (L’entretien), con el lanzamiento del tráiler y nuevo póster oficial. Realizada completamente en 2D, se trata de la primera película animada traída por MUBI a los cines de Latinoamérica, cuyo estreno es hoy, jueves 5 de febrero de 2026.

Arco fue nominada a Mejor Película Animada en los Globos de Oro 2026, así como a los Premios Oscar 2026. Además, esta semana recibió una nominación a Mejor Película Infantil y Familiar en los Premios BAFTA 2026. La película presenta una aventura desencadenada por un encuentro que nunca debió haber ocurrido entre dos niños de épocas diferentes.

Asimismo, MUBI se enorgullece en anunciar el doblaje latino de Arco, encabezado por los actores mexicanos Alfonso Borbolla, Daniel Tovar y Memo Villegas, quienes darán vida en español a los personajes de esta esperada producción.

Con un Estreno Mundial dentro de la Selección Oficial de Proyecciones especiales del 78° Festival de Cine de Cannes y ganadora del Premio Cristal a Mejor Largometraje y el Premio SACEM a Mejor Música Original de Largometraje en el 64° Festival Internacional de Cine de Animación Annecy, la cinta fue escrita y dirigida por Ugo Bienvenu, bajo la producción de Natalie Portman, Félix de Givry, Sophie Mas y Ugo Bienvenu.

Animada en su totalidad en la técnica 2D, es la ópera prima del realizador francés, conocido por su trabajo como ilustrador de historietas y animador de videos musicales y cortometrajes. Influenciado por los cómics de ciencia ficción, se trata de una producción dirigida al público infantil y familiar.

Al contrario de la tendencia de los autores de sci-fi actuales y de antaño, que abordan el género de manera negativa y apocalíptica, Arco da esperanza a la presente generación al presentar un mundo que invita a imaginar un futuro -deseable y posible- lleno de esperanza en el que en la humanidad evoluciona en armonía con la naturaleza.

La ópera prima del realizador francés, contará con un reparto vocal en español integrado por Jorge Rafael (Elio, 2025) como Arco y Bonnie Miuller (Bluey, 2020-2026) como Iris, a lado de los Rainbow Brothers – Stewie, Frankie y Dougie- interpretados por Daniel Tovar (Recursos Humanos, 2023), Alfonso Borbolla (El Club Perfecto, 2025) y Memo Villegas (La gran seducción, 2023).

“Un doblaje en español acerca el discurso a muchísimas personas que no tendrían otra posibilidad para disfrutar la película. Además, la ilusión para un niño creo que sucede en mayor medida si está en su propio idioma.” – Memo Villegas, actor.

Sinopsis

En un futuro lejano e idílico, la humanidad domina el poder de viajar en el tiempo gracias a trajes coloridos que dejan estelas de luz arcoíris en el cielo. Aunque es demasiado joven para aventurarse en estos viajes, el impaciente Arco se escapa sólo, para descubrir que ha quedado varado en el año 2075, en un mundo más peligroso que el suyo. Por suerte, Iris, una niña de diez años, ve al misterioso chico caer del cielo y, con la ayuda de su robot cuidador, emprenden una odisea entrañable para devolver a Arco a casa.

Con colores llamativos, una singular construcción del mundo y un tierno núcleo de amistad, ARCO abraza la magia atemporal de la narración visual e invita a todos a soñar con un futuro más luminoso.

Tan clara como el cristal, la cinta ilustra este futuro cercano, en el que el joven Arco es acogido por la pequeña Iris, un producto de su tiempo, criada por su niñera robot. Ella vive en un mundo de ilusiones, en el que ve a sus padres ausentes a través de hologramas y donde la naturaleza es azotada por desastres. Es a través de la mirada de Arco, que proviene de un mundo más sencillo, que sale a la luz lo absurdo del mundo hacia el que nos dirigimos, el mundo de Iris.

“Arco es una metáfora de lo mejor que podría pasar” – Ugo Bienvenu

La película cuenta con las voces en frandés de Alma Jodorowsky (Threesome), Swann Arlaud (Anatomy of a Fall) Vincent Macaigne (Bonnard, Pierre et Marthe), Louis Garrel (The Dreamers), William Lebghil (Soda) y el rapero francés Oxmo Puccino.

Arco llegará a los cines en México y Chile vía MUBI, Argentina y Uruguay vía MACO Cine, en Colombia vía Cineplex Colombia y en Bolivia, Ecuador, Perú y Centroamérica gracias a Cineplex USA.

ARCO LLEGARÁ A CINES EN LATINOAMÉRICA DOBLADA AL ESPAÑOL Y EN SU IDIOMA ORIGINAL A PARTIR DE HOY, EL 5 DE FEBRERO 2026

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COMPOSITORES EMERGENTES VOL VI

admin — Sat, 10 Jan 2026 23:20:44 +0000

COMPOSITORES EMERGENTES VOL VI: EL DESEO MÁS ALLÁ DE LA CARNE EN DANZA Y TEATRO DEL HORROR

· Cinco visiones coreográficas innovadoras: Geovanni Aburto, Jocelyn Fernández, Cristian Fuentes, Jhoanna Herrera y Elisa Romero Ramírez exploran el deseo más allá de lo carnal, abarcan nostalgia, melancolía y anhelos en los Martes de Danza.

· Teatro Grotesco bajo la dirección de Luis Alcocer: Una adaptación libre de los cuentos de Thomas Ligotti, con actuaciones de Santiago Alfaro, Andoni Guerrero y Bernardo Kasis, que borra las fronteras entre realidad y pesadilla, integran música de cinco compositores emergentes y elementos de danza balinesa en los Miércoles de Teatro.

· Concepto curatorial amplio y provocador: Dirigido por Rodrigo Castillo Filomarino, este volumen busca expandir la noción de deseo, generando inquietud en el público y promoviendo talentos emergentes en las artes escénicas mexicanas.

El Volumen VI de Compositores Emergentes, bajo la dirección artística de Rodrigo Castillo Filomarino, presenta una programación audaz que presenta música, danza y teatro en torno al tema del deseo.

Con dos programas principales —Martes de Danza y Miércoles de Teatro—, esta edición ensambla cinco visiones coreográficas únicas que trascienden el deseo sexualizado común en las artes escénicas.

Participan talentosos artistas emergentes como Geovanni Aburto, ganador del Festival 360 de Coreografía; Jocelyn Fernández, egresada de la Escuela Nacional de Danza Nellie y José Campobello; Cristian Fuentes, con experiencia en compañías como Apoc Apoc, Dramadanza y colaboraciones con Farah Alonso; Jhoanna Herrera, recién graduada de la Escuela Profesional de Danza de Mazatlán; y Elisa Romero Ramírez, galardonada como mejor intérprete en el Premio Nacional de Danza Guillermo Arriaga 2024 en Xalapa.

Los Compositores participantes en esta disciplina son: Valeria Báez Portillo Sofía Cruces Emanuel Galicia Aparicio Santiago López José Mario Marmolejo Ana Isabel Mata Mitzi Montiel y Emiliano Palafox.

Estas propuestas curatoriales, seleccionadas de más de 40 postulaciones, destacan por su frescura y profundidad, invitando al público a reflexionar sobre deseos trascendentales como la nostalgia, la melancolía o el anhelo de un mundo más humano y justo.

La temporada se llevará a cabo con seis funciones: del 13 al 28 de enero los martes dedicados a la danza y los miércoles al teatro, siempre a las 20 horas, en el Teatro Varsovia, ubicado en Varsovia No. 9.

En los martes de Danza, el enfoque curatorial se centra en expandir el concepto de deseo más allá de lo carnal, explorando sus múltiples facetas en las nuevas generaciones de artistas. Rodrigo Castillo Filomarino explica que el deseo abarca no solo atracciones físicas en una sociedad hipersexualizada, sino también impulsos emocionales profundos, como el deseo de conexión, separación, arrepentimiento o transformación social. Cada coreógrafo aporta una perspectiva única: Geovanni Aburto infunde energía innovadora desde su premio en coreografía; Jocelyn Fernández trae una visión académica refinada; Cristian Fuentes integra su vasta experiencia como bailarín; Jhoanna Herrera ofrece frescura juvenil como intérprete destacada; y Elisa Romero Ramírez eleva la interpretación con su reconocimiento nacional. Esta selección no solo promueve la profesionalización de los músicos emergentes, sino que también descubre talentos dancísticos, creando un diálogo interdisciplinario que enriquece el panorama escénico mexicano.

Los Miércoles de Teatro introducen «Teatro Grotesco», una obra dirigida por Luis Alcocer con su compañía Gran Guiñol Psicotrónico, que adapta libremente cuentos de Thomas Ligotti. Protagonizada por Santiago Alfaro, Andoni Guerrero y Bernardo Kasis, la pieza explora la locura y difumina las líneas entre realidad y pesadilla, incorporando música original de cinco compositores emergentes y elementos de danza balinesa, una experimentación reciente de Alcocer. Esta inclusión surge de la visión de Castillo Filomarino por integrar disciplinas escénicas, superando desafíos logísticos y presupuestales gracias al apoyo del Centro de Creadores Musicales. La estética de gran guignol de Alcocer confronta al espectador con situaciones incómodas que resuenan en la psique, utilizando los textos de Ligotti como punto de partida para una narrativa que mezcla cuatro cuentos en una historia cohesiva, llena de movimiento y provocación.

Esta edición de Compositores Emergentes Vol VI representa un paso adelante en la evolución del proyecto, que ha crecido con una respuesta masiva a la convocatoria, atrayendo interés de la comunidad dancística y teatral en México. Rodrigo Castillo Filomarino vislumbra un futuro donde el ciclo se expanda hacia un diplomado más extenso sobre música para las artes escénicas, con salidas públicas y mayor apoyo institucional, tanto de escuelas como de entidades públicas y privadas. El énfasis en oportunidades para nuevos talentos, como los coreógrafos seleccionados, refuerza el compromiso con la exposición de artistas emergentes, fusionando ramas como la danza y el teatro en un marco que fomenta la innovación y la reflexión crítica.

Finalmente, el Volumen VI invita al público a asistir no solo por el espectáculo, sino por la oportunidad de cuestionar y ampliar sus propias percepciones. Con el respaldo de instituciones como el Centro de Creadores Musicales, esta programación promete inquietar y satisfacer, dejando al espectador con preguntas abiertas sobre el deseo en todas sus formas. Geovanni Aburto, Jocelyn Fernández, Cristian Fuentes, Jhoanna Herrera, Elisa Romero Ramírez, Luis Alcocer, Santiago Alfaro, Andoni Guerrero, Bernardo Kasis y Thomas Ligotti convergen en una experiencia que trasciende lo convencional, posicionando a Compositores Emergentes como un referente en las artes escénicas contemporáneas.

Testimonio de Rodrigo Castillo Filomarino, director artístico de Compositores Emergentes:

“En este Volumen VI hemos querido romper con la idea reduccionista del deseo que suele dominar las propuestas escénicas. No se trata solo de lo erótico o lo inmediato, sino de abrir la puerta a deseos más complejos y humanos: el deseo de cambiar el mundo, de recuperar lo perdido, de imaginar lo imposible o incluso de enfrentar lo que nos aterra. Al final, Lo que más me emociona es ver cómo un Taller en la licenciatura del Centro de Creadores Musicales, va creciendo y enfrenta a los alumnos con proyectos y artistas profesionales”.

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Las orquídeas de otoño llegan al Museo Franz Mayer

admin — Thu, 06 Nov 2025 17:25:49 +0000

Orquídeas de otoño se llevará a cabo del 8 al 16 de noviembre

El Museo Franz Mayer y la Asociación Mexicana de Orquideología (AMO) presentan la edición 2025 de su tradicional expo-venta de orquídeas, un evento que celebra el interés histórico de Franz Mayer por la botánica y, en particular, por estas fascinantes plantas.

🗓️ Fechas y Lugar

Fechas: Del 8 al 16 de noviembre.
Lugar: Claustro recién renovado del Museo Franz Mayer, en el Centro Histórico de la Ciudad de México.

✨ Lo que encontrarás

Gran Acervo Floral: La muestra reunirá alrededor de 3,000 plantas, incluyendo ejemplares únicos que florecen con el clima fresco del otoño, provenientes de diversos ecosistemas (manglares, bosques templados y selvas húmedas).
Géneros Destacados: Podrás admirar y adquirir especies y diversos híbridos de géneros como:
- Laelia: Considerado uno de los géneros más distintivos de México (el país cuenta con cerca de 1,300 especies nativas de orquídeas).
- Vanda: Especies únicas originarias de las zonas tropicales de Asia.
Expositores: Contará con la participación de 27 expositores para la venta directa de los ejemplares.

🗣️ Programa de Actividades y Conservación

La expo-venta busca promover la conservación de estas especies, amenazadas por la tala, el cambio climático y el comercio ilegal.

Actividades Adicionales: La muestra se complementa con un programa de actividades (conferencias, presentaciones y talleres) para acercar al público al mundo de la orquideología, cubriendo temas como su cultivo, cuidado y distintos géneros.

Franz Mayer y las Orquídeas: La exposición tiene lugar en el jardín del claustro, que evoca la pasión de Franz Mayer por estas flores. Él fue miembro fundador de la Sociedad Mexicana Amigos de las Orquídeas (hoy AMO) y reunió una gran colección en su jardín e invernadero.

Si deseas consultar el programa completo y adquirir tus boletos, puedes visitar el sitio web del museo: franzmayer.org.mx.

Horario de la Expo-Venta

Fechas: Del 8 al 16 de noviembre de 2025.
Horario de acceso: Martes a domingo, de 10:00 a 17:00 horas.

💰 Costos de Entrada

El boleto de acceso incluye tanto la entrada a la exposición «Orquídeas de Otoño» como la entrada general a las colecciones del museo. Los precios ya incluyen los gastos de gestión por la compra en línea:

Público General: $127.18 MXN por persona.
Descuento Especial ($60 + gastos de gestión): $63.59 MXN por persona.
- Aplica para estudiantes, profesores y adultos mayores de 65 años con credencial vigente.
Menores de 12 años: Entrada gratuita.

Nota: Se recomienda adquirir los boletos con anticipación a través de la página del museo para asegurar tu acceso, especialmente si planeas asistir a alguna actividad específica.

🗓️ Ejemplo de Actividades

Recuerda que la muestra estará acompañada de un programa de actividades como talleres y conferencias. Algunos ejemplos son:

Sábado 8 de noviembre:
- 15:00 h – Taller demostrativo: Cultivo del género Laelia anceps.
Domingo 9 de noviembre:
- 13:00 h – Taller demostrativo: Cómo cuidar tu orquídea.
- 15:00 h – Conferencia: El Florecimiento de la Paz (diálogo sobre cultivo y representación en la cultura oriental).

El programa completo de talleres y conferencias está disponible en el sitio web del Museo Franz Mayer.

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El Centro Cultural El Hormiguero

admin — Thu, 06 Nov 2025 17:06:39 +0000

Celebra #SieteAñosDeSerHormigas: Un proyecto integral de desarrollo teatral

7º Festival de Creación Hormiga se celebrará en CDMX y Coyuca de Benítez, Guerrero: Del 13 al 16 de noviembre de 2025, el festival llevará las artes vivas a las calles, promoviendo la reflexión y la convivencia comunitaria.
Estreno de Kokol: Una nueva producción de teatro de calle que combina clown, música en vivo, títeres y objetos de gran formato, con funciones en la Ciudad de México y Guerrero.
Rutas Hormiga en Bogotá, Colombia: La obra Raziel se presentará el 18 de octubre en el Festival de la Inclusión, consolidando la proyección internacional del Centro Cultural El Hormiguero.

En su séptimo aniversario, el Centro Cultural El Hormiguero reafirma su compromiso con la descentralización de las artes escénicas a través de su programa Rutas Hormiga, un esfuerzo que lleva el teatro a comunidades con difícil acceso en estados como Tijuana, Zacatecas, Guerrero, Mérida, Campeche y Guanajuato, así como a países como Cuba, Colombia, Argentina y Chile.

Más allá de presentar funciones, este proyecto busca construir diálogos significativos con las comunidades, conocer sus necesidades y generar vínculos que fortalezcan la identidad cultural y promuevan la transformación social. Con su lema #SieteAñosDeSerHormigas, El Hormiguero celebra su labor como un nodo neurálgico del teatro en México, consolidándose como un modelo innovador que impulsa la profesionalización, la inclusión de jóvenes talentos y la sostenibilidad de las artes independientes.

El 7º Festival de Creación Hormiga, que se realizará del 13 al 16 de noviembre en Coyuca de Benítez, Guerrero, marca un hito al llevarse a cabo por primera vez fuera de la Ciudad de México. Este festival se ha consolidado como un espacio de encuentro entre artistas, colectivos y comunidades, con el propósito de reflexionar sobre el papel del arte en la vida cotidiana y su capacidad para transformar el espacio público.

Coyuca de Benítez, un territorio de gran riqueza cultural, pero con retos sociales significativos, será el escenario donde plazas, calles y canchas se llenarán de propuestas artísticas que promuevan la memoria, la resiliencia y la paz.

El tema central, el arte comunitario y las artes vivas en espacios públicos, proponiendo que las puestas en escena y los talleres ocupen los espacios comunes para activar procesos de reflexión, memoria y convivencia. El festival busca no solo mostrar espectáculos, sino también sembrar experiencias colectivas que fortalezcan la identidad local, generen resiliencia comunitaria y promuevan la paz desde el arte.

Como parte de las celebraciones, El Hormiguero presenta Kokol, una nueva producción original escrita y dirigida por Marco Pacheco. Esta obra de teatro de calle narra la historia de Mateo, un niño de Coyuca de Benítez que, a través de su papalote —kokol en argot local—, emprende un viaje de autodescubrimiento y libertad. Con una propuesta innovadora que combina clown, música en vivo, títeres y objetos de gran formato, Kokol transforma el espacio público con un escenario móvil. La obra circulará por el Centro Histórico, Pantitlán, Iztapalapa, Xochimilco y el Bosque de Chapultepec en la Ciudad de México, así como en Coyuca de Benítez, Guerrero.

El equipo creativo incluye a Maglog Orozco (composición musical y diseño sonoro), Leticia Olvera (diseño de iluminación y espacio escénico), Brisa Alonso (diseño de vestuario), Yoeli Padrón (producción ejecutiva), Gabriel Mercado, Raúl Vivanco (elenco), Karla Hernández (diseño gráfico y gestión digital) y Salomón L. Santiago (asesoría de teatro de calle).

El compromiso de El Hormiguero con la formación artística se refleja en sus programas LARVAS Creativas e INSERTA 2.0.

LARVAS Creativas impulsa la profesionalización de agrupaciones emergentes como CORDOBANES y XOLOTL Ánima, que presentarán las obras Neoma en el fin del mundo (19 de octubre al 16 de noviembre, domingos a las 12:00 h) y Más allá del sol (18 de octubre al 8 de noviembre, 16:00 h) en el Centro Cultural El Hormiguero.

Por su parte, INSERTA 2.0 acompaña a recién egresados como Valeria Espina y Santiago Lapayre, brindándoles herramientas en finanzas, marca personal y gestión de producción. Además, el programa Rutas Hormiga llevará la obra Raziel, con dramaturgia y dirección de Marco Pacheco, producción de Diana Bustamante, actuación de Gianni Ríos y música de Claudio Morales, al Festival de la Inclusión en Bogotá, Colombia, el 18 de octubre, tras una exitosa gira en Cuba.

Testimonio de Marco Pacheco, director del Centro Cultural El Hormiguero:

“Los espacios culturales independientes como El Hormiguero son mucho más que recintos artísticos; son puntos de encuentro que fortalecen nuestra identidad y construyen comunidad.

Cuidamos este lugar porque sabemos que tenemos una responsabilidad con nuestra sociedad, y trabajamos día a día para responder a ella con propuestas que no solo transforman a través del arte, sino que dignifican y visibilizan a las comunidades con las que colaboramos.”

El Centro Cultural El Hormiguero también lanza el programa Boleto con Causa, una iniciativa que permite adquirir boletos adicionales para garantizar el acceso al teatro a personas con dificultades económicas, reforzando su compromiso con la inclusión cultural. Con más de 500 presentaciones artísticas al año, reconocimientos como el Premio al Espacio Teatral Independiente en los Premios Metro 2023 y cinco nominaciones por la obra Instrucciones para Armar una Esperanza, El Hormiguero se consolida como un pilar de las artes escénicas independientes en México. Este séptimo aniversario no solo celebra logros pasados, sino que reafirma su misión de seguir tejiendo redes, descentralizando el arte y transformando comunidades a través del teatro.

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RODRIGO CASTILLO FILOMARINO

admin — Thu, 16 Oct 2025 19:49:35 +0000

25 AÑOS DE MÚSICA PARA LAS ARTES ESCÉNICAS:

UN LEGADO SONORO DE RODRIGO CASTILLO FILOMARINO

Hito cultural: Celebración de los 25 años de trayectoria de Rodrigo Castillo Filomarino con una producción fonográfica única que reúne música original para teatro y danza, desde 2002 hasta 2024.

Acceso universal: Las partituras digitales y grabaciones estarán disponibles gratuitamente en SoundCloud, además de plataformas como Spotify y Apple Music, y se difundirán en Radio UNAM, Radio Educación y Opus 94.

Patrimonio artístico: Un proyecto apoyado por el Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales de la Secretaría de Cultura, que busca preservar y difundir la música para las artes escénicas como parte de la historia cultural mexicana.

En el marco de una trayectoria de 25 años dedicados a la creación de música original para las artes escénicas, el compositor mexicano Rodrigo Castillo Filomarino presenta una producción fonográfica sin precedentes que recopila lo mejor de su obra, desde 2002 hasta 2024.

Este proyecto, respaldado por el Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales de la Secretaría de Cultura, no solo celebra su contribución al teatro y la danza, sino que también busca dignificar las condiciones de producción musical en las artes escénicas mexicanas.

La función de presentación se llevará a cabo el 24 de octubre a las 19:00 horas en el Pabellón Jardín Escénico, con acceso en gratuidad, un evento que promete ser un viaje sonoro a través de un cuarto de siglo de creación artística.

La mesa redonda estará moderada por Luis Mario Moncada, Leticia Alvarado y Luis Alcocer, y contará con la participación de Mónica Aguilar, Héctor Ocampo, Laura Ramírez, Noemí Nicolau, Norma Angélica Vargas, Gark Sepher, Miguel Ángel Angulo, Óscar González, Edgar Sierra y Edgar Bennet.

Seleccionar las piezas que conforman esta antología fue una tarea monumental. De entre más de 700 pistas musicales y 100 obras creadas para teatro, danza y proyectos audiovisuales, Castillo Filomarino revisó su archivo personal para curar una selección que refleja su evolución como compositor.

Desde sus inicios en 1999 con la Compañía Nacional de Teatro hasta sus trabajos más recientes, esta producción muestra el crecimiento artístico del compositor, sus aciertos, errores y, sobre todo, su compromiso con la creación de música honesta y sin pretensiones.

La grabación, realizada con músicos profesionales en un estudio de alta calidad, responde a una necesidad histórica de superar las limitaciones presupuestales que suelen restringir la música en las artes escénicas, donde los recursos suelen destinarse prioritariamente a escenografía o vestuario.

Esta producción no solo es un testimonio del trabajo de Castillo Filomarino, sino también un esfuerzo por preservar y difundir el patrimonio cultural de las artes escénicas mexicanas. Las partituras digitales de las piezas seleccionadas estarán disponibles gratuitamente para coreógrafos, directores, estudiantes e investigadores, garantizando un acceso universal a este legado.

Además, las grabaciones estarán al alcance del público en plataformas como Spotify, Apple Music y SoundCloud, y serán enviadas a radiodifusoras culturales como Radio UNAM, Radio Educación y Opus 94 para su difusión.

Este esfuerzo busca posicionar la música para artes escénicas como un pilar fundamental del teatro y la danza en México, comparable a la labor de compositores como Luis Rivero, Alicia Urreta, Federico Ibarra, Leonardo Velázquez y Marcela Rodríguez, quienes también dejaron un legado en el siglo XX.

El proyecto se inspira en antecedentes como la antología de Rodolfo Sánchez Alvarado sobre la obra de Luis Rivero (1974-1998), que documentó un periodo clave del teatro mexicano.

La producción de Castillo Filomarino continúa esta tradición, extendiendo el registro al siglo XXI y ofreciendo un material invaluable para el estudio, la pedagogía y la investigación.

“Es un reflejo del paso del tiempo, de la sociedad, del teatro, de la danza y de mi ser”, afirma el compositor, quien ve en esta antología una forma de trascender las salas de teatro y conectar con un público más amplio, más allá de los montajes específicos para los que fue creada su música.

Rodrigo Castillo Filomarino, con una carrera que comenzó en 1999 y que abarca más de un centenar de obras, ha creado un cuerpo de trabajo que dialoga con la historia del teatro y la danza mexicanos.

Este proyecto no solo es un homenaje a su trayectoria, sino también un paso hacia la profesionalización y dignificación de la música para las artes escénicas, un campo que, según el compositor, merece ser reconocido como un componente esencial del patrimonio cultural de México.

La presentación del 24 de octubre será una oportunidad única para sumergirse en este legado sonoro, que trasciende el escenario y se convierte en un reflejo de la identidad cultural del país.

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DESDE EL CAPARAZÓN DE LA TORTUGA

admin — Tue, 16 Sep 2025 13:59:31 +0000

DESDE EL CAPARAZÓN DE LA TORTUGA: DANZA, TEATRO Y CIRCO EN UNA AVENTURA INOLVIDABLE INSPIRADA EN MOMO DE MICHAEL ENDE

Espectáculo multidisciplinario: Fusiona danza, teatro, música en vivo, artes visuales y circenses, reinterpretando el clásico infantil Momo de Michael Ende para reflexionar sobre la vida y el tiempo.
Temporada familiar: Se presentará sábados a las 13:00 horas del 20 de septiembre al 25 de octubre de 2025, en el Teatro Centenario Coyoacán, Centenario 159, Coyoacán.
Dirección y trayectoria de Danza Visual: Dirigida por Patricia Marín, Rogelio Marín y Leonardo Beltrán, la obra ha recorrido México y países como Ecuador y Corea del Sur desde 2015.

La historia cuenta la vida de Momo, una niña capaz de escuchar incluso a las estrellas, quien transita su existencia junto a sus tres entrañables amigos: Beppo, el barrendero paciente; Giggi, el soñador incansable; y Casiopea, la tortuga milenaria que se encarga de administrar el tiempo.

La obra exhorta al público a reflexionar en torno a la vida, el tiempo y el uso que le damos.

El proyecto Danza Visual está dirigido por Patricia Marín, Rogelio Marín y Leonardo Beltrán, radicado en la Ciudad de México desde el 2009, que conjuga las posibilidades de escape multidimensional capaces de conjugar caminos de creación transdisciplinar.

La temporada se presentará sábados a las 13:00 horas del 20 de septiembre al 25 de octubre de 2025 en el Teatro Centenario Coyoacán, en la Ciudad de México.

Una historia entrañable con un mensaje profundo

15 años de Danza Visual: un proyecto transdisciplinario

Creada por Danza Visual, un colectivo artístico con sede en la Ciudad de México desde 2009, inspirada en la obra “Momo” de Michael Ende la pieza combina disciplinas como la danza, el teatro, la ópera, la música en vivo y las artes circenses para construir un discurso claro y envolvente. Para Patricia Marín, una de las directoras, “el espectáculo busca fomentar la lectura y el acercamiento a las artes escénicas desde temprana edad, utilizando experiencias lúdicas y multisensoriales”. Por su parte, Leonardo Beltrán destaca la importancia de reflexionar sobre “las dinámicas de la vida posmoderna y nuestra forma de enfrentarlas”.

Un equipo creativo de excelencia

La producción cuenta con un talentoso equipo:

Dirección: Patricia Marín, Rogelio Marín y Leonardo Beltrán.

Música original: Rogelio Marín.

El reparto está integrado por Mariana Garibay (Momo), Leonardo Beltrán (Hombre de Gris), Rogelio Marín (Sr. Fussi), Lorena Canseco (Casiopea), Sergio Vázquez (Gigi), Tlathuí Maza (Beppo), Alan Galicia (Diávolo), Anivedelab Ponce de Leon (Bibbi Gail) y Yseye Appleton con el Cyr Wheel.

Una obra con trayectoria nacional e internacional

Desde el caparazón de la tortuga se ha presentado de manera ininterrumpida en la Ciudad de México desde 2015 y ha recorrido estados como San Luis Potosí, Sinaloa, Baja California, Guanajuato, Guerrero, Tlaxcala y Oaxaca, además de festivales internacionales en Ecuador y Corea del Sur.

Detalles de la temporada

Obra: Desde el caparazón de la tortuga

Disciplinas: Danza, teatro, música en vivo, ópera, artes visuales y circenses

Temporada: Del 20 de septiembre al 25 de octubre de 2025

Horario: Sábados a las 13:00 horas

Costos: $450 entrada general | 50% Descuentos INAPAM, estudiantes

Lugar: Teatro Centenario Coyoacán, Centenario 159, Coyoacán, 04100, CDMX, MX

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ARTE

admin — Wed, 10 Sep 2025 21:37:25 +0000

ARTE, PUESTA EN ESCENA QUE INDAGA EN LA FRAGILIDAD

DE LOS SENTIMIENTOS Y EL VALOR DE UNA PIEZA ARTÍSTICA

· La obra escrita por la dramaturga francesa Yasmina Reza, ofrecerá una función el domingo 14 de septiembre a las 20 h en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris

· Una adaptación de Alejandro Bracho, dirigida por Christian Magaloni, y las actuaciones de Fernando Bonilla, Mauricio Isaac y Alfonso Borbolla

La puesta en escena Arte, de la reconocida dramaturga francesa Yasmina Reza, es una comedia en la que se pone a prueba el valor de una pieza artística y la amistad de tres amigos, en una invitación a reflexionar acerca el verdadero valor del arte y las emociones humanas.

Adaptada por Alejandro Bracho y dirigida por Christian Magaloni, con las actuaciones de Fernando Bonilla, Mauricio Isaac y Alfonso Borbolla, se trata de una cautivadora pieza teatral que explora la fragilidad de la amistad a través del mundo del arte contemporáneo: cuando un amigo compra un cuadro en blanco por una fuerte suma de dinero, los tres amigos entablan una discusión y cuestionan el sentido de la perspectiva de la amistad y del mismo arte.

Esta exitosa pieza que ha recorrido el mundo en una versión y otra, se escenificará por única vez el próximo domingo 14 de septiembre a las 20:00 h en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, con el apoyo de la Dirección del Sistema de Teatros de la Secretaría de Cultura de la Ciudad de México.

Con sólo tres personajes en escena, la aguda comedia toma como pretexto el cuestionamiento del concepto de arte y su mercado en la actualidad, para reflexionar sobre las particularidades de los vínculos y las estructuras de poder que se dan en las relaciones de amistad, así como la construcción de la identidad, tanto individual como grupal (o el cuestionamiento de éstas) a partir de los grupos sociales con los que se identifica un individuo y de las cosas –físicas o emocionales– a las que se les otorga valor.

El valor de esta obra puede verse desde diferentes miradas: una es la exploración de la amistad, ya que se centra en la dinámica que se establece entre tres amigos de toda la vida, revelando las complejidades de sus relaciones.

Sus planteamientos permiten explorar cómo la amistad puede verse afectada por las percepciones y juicios personales. Cada interpretación ofrece una oportunidad para profundizar en cómo los personajes equilibran la honestidad brutal con el respeto mutuo.

A partir de la reflexión sobre lo que se ha dado en llamar arte, la puesta en escena permite una discusión fascinante sobre el valor de una obra artística, tanto en un sentido estético como en un objeto de aprecio personal. Es una oportunidad para cuestionar qué define la belleza y cómo las diferencias en la apreciación artística pueden reflejar diferencias en valores personales.

Por otro lado, destaca el uso de una escenografía minimalista, lo que da pie a mantener la atención en los actores y el texto, subrayando las tensiones y emociones que se desarrollan en su desarrollo. Este enfoque intensifica el impacto de los diálogos, manteniendo al público centrado en las interacciones humanas y las sutiles transiciones emocionales.

Por ello mismo, la obra representa un acto de desafío actoral. La dirección centrada en los actores les ofrece la oportunidad de explorar personajes complejos y multifacéticos, e incentiva la expresión más auténtica de emociones, gestos y lenguaje corporal, que son cruciales para transmitir las capas de la obra.

La puesta en escena destaca asimismo por su interacción con el público. Una producción enfocada en la actuación y con una escenografía mínima, puede facilitar una conexión más directa e inmediata con el público. Sin distracciones visuales complejas, los espectadores están más propensos a verse inmersos en la tragedia y la comedia sutiles que transcurren en las relaciones entre los personajes.

Finalmente, destaca la actualidad de los temas, toda vez que, a pesar de que la obra fue escrita en 1994, los temas abordados son atemporales, lo que permite al director conectar su mensaje con el contexto social contemporáneo. Cuestiones sobre el valor, la identidad, y la subjetividad siguen siendo relevantes, ofreciendo muchas posibilidades para reflexionar sobre la sociedad moderna.

En el montaje colaboran también Jorge Ballina en el diseño de escenografía, Emilio Zurita y Jesús Giles en el diseño de iluminación, y Miguel Jiménez y Miguel Tercero en el diseño sonoro y la selección musical.

Arte, de Yasmina Reza, adaptada por Alejandro Bracho y dirigida por Cristian Magaloni, ofrecerá una función especial el domingo 14 de septiembre a las 20:00 h en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris (Donceles 36, Centro Histórico).

Admisión: Luneta, $600; Primer Piso Central, $450; Primer Piso Lateral, $400; Anfiteatro, $350; Galería, $300. Los boletos se pueden adquirir en la taquilla del teatro y en las plataformas digitales de Ticketmaster.

Para conocer la programación de la Dirección del Sistema de Teatros de la Ciudad de México visite las redes sociales: Facebook @TeatrosCdMexico, X @TeatrosCdMexico e Instagram @teatroscdmexico.

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